文艺复兴
14至16世纪的欧洲重新发现了古典比例、透视法与人体解剖学——此后每一次艺术运动都以此为起点。
蒙娜丽莎
达芬奇在这幅画上运用了标志性的"晕涂法"（sfumato）——柔和渐变的明暗过渡，正是这种技法让她的表情显得难以捉摸。想象一下，你的作品也能被这样细致地呈现。
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维纳斯的诞生
这幅画罕见地采用画布而非当时常见的木板，也是自古典时代以来西方艺术中最早的大型神话题材作品之一。我们也想用同样生动的方式，讲述你作品背后的故事。
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雅典学院
这幅壁画中挤满了历史上的伟大哲学家，每个人物都借用了拉斐尔同时代人物的相貌——他借此把自己所处的时代嵌入了古代的场景。一个像这样的页面，也能把你的作品放进属于它的故事里。
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阿尔诺芬尼夫妇像
留意后墙上那面凸面镜——它映出了整个房间，包括两个站在观者位置的人影。这种藏在细节里的巧思，正需要一个能让访客愿意停留细看的页面。
公有领域 · 来自 Wikimedia Commons巴洛克
从罗马的教堂到阿姆斯特丹的行会大厅,巴洛克追求强烈的光影、动感与情绪张力。
戴珍珠耳环的少女
这幅画常被称为"北方的蒙娜丽莎"，但它并非某位真实人物的肖像，而是一幅"tronie"（表情习作）——描绘一个想象出的面孔与神态。有时候最打动人的画面不是写实，而是氛围；这也是为你的画廊做取舍时值得考虑的一点。
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夜巡
这幅画的原名其实是《弗兰斯·班宁·科克上尉的连队》——几个世纪以来因表面清漆变暗，才有了"夜巡"这个流传下来的俗称，直到后来清洗后才发现画面其实描绘的是明亮的白昼场景。再伟大的作品，也需要恰当的呈现方式才能被真正看见。
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圣马太蒙召
卡拉瓦乔标志性的"暗色调主义"（tenebrism）——人物从几乎全黑的背景中被一束光线照亮——把一个安静的宗教场景变成了充满戏剧张力的瞬间。强烈的对比与清晰的视觉焦点，同样能让你的作品在线上呈现时更打动人。
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宫娥
委拉斯开兹把自己也画进了这幅场景——手持画笔，面对一幅我们看不见的画布；后墙的镜子里映出了国王与王后的身影，他们所站的位置似乎正是我们这些观者所在之处。一幅如此清醒地意识到"谁在看"的画作，也提醒着我们：呈现方式本身，决定了作品会如何被感受。
公有领域 · 来自 Wikimedia Commons浪漫主义
作为对启蒙理性秩序的反叛,浪漫主义把自然、情感与个人想象力推向中心。
雾海上的漫游者
画中人物背对观者，于是我们看到的正是他所看到的景象——这幅画邀请你"进入"这一刻，而不只是旁观。这也是我们希望访客浏览一个设计良好的画廊页面时能感受到的东西。
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自由引导人民
这幅画创作于它所描绘的革命发生的同一年，也成为西方艺术史上被复制传播最广的政治斗争题材作品之一——证明了恰逢其时与一个震撼的中心形象足以承载起一整个故事。你的作品线上呈现时，也值得拥有同样的即时感染力。
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1808年5月3日
戈雅把那位即将赴死的白衣男子照得几乎像舞台聚光灯下一样，他张开双臂的姿态后来被无数反战题材的作品所借鉴——这是"一个人物成为普世象征"的早期范例。今天，好的构图依然能在屏幕上而非画布上完成同样的事。
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无畏号战舰的最后一程
一艘曾在特拉法加海战中立下战功的老战舰，被一艘冒着黑烟的小型蒸汽拖船拖往拆船厂——特纳借此为逐渐远去的风帆时代写下挽歌，而这幅画恰好创作于工业化重塑英国的年代。即便是告别，只要呈现得当，也能被讲述得很美。
公有领域 · 来自 Wikimedia Commons印象派
在户外快速作画,追逐瞬息万变的光线而非精确细节——"印象派"这个名字最初其实是一句嘲讽。
印象·日出
一位持批评态度的评论家曾嘲讽这幅画笔触松散、像未完成的草稿，并因此创造了"印象派"这个词作为讽刺——而这个流派此后却把它当作了荣誉徽章。有时候，最先招来批评的选择，恰恰是最大胆的那个。
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船上的午宴
雷诺阿用了整整一个夏天、多次写生，才画出这幅描绘自己朋友们户外聚会的场景，精心捕捉阳光透过条纹遮篷洒下的斑驳光影。真实的人物关系与真实的光线，才是让一个场景显得鲜活的关键，无论是在画布上还是在页面上。
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舞蹈课
德加痴迷于捕捉那些未经摆拍、介于动作之间的瞬间——舞者伸展身体、整理鞋带，而不是正对观众展示自己。这种真实、幕后感十足的氛围，正是让艺术家自己的工作室或创作过程页面吸引访客的关键。
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睡莲池
这只是莫奈在吉维尼自家花园里，历时三十年创作的约250幅睡莲系列中的一幅——这整组作品的核心，就是一次次回到同一个主题，却每次都看出不同的东西。像这样按主题组织的画廊，正是建立在同样的理念之上。
公有领域 · 来自 Wikimedia Commons后印象派
延续印象派的色彩与即兴,却更进一步走向结构、象征与强烈的个人表达。
星夜
这幅画是梵高在精神病院中凭记忆与想象画出的，而非直接写生——旋涡状的夜空所映照的，更多是他内心的状态，而非他真正看到的夜空。最打动人的作品，往往来自艺术家的感受，而不只是观察。
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苹果篮
仔细看会发现桌沿其实并没有完全对齐——塞尚有意从多个略有不同的视角同时描绘同一组静物，这个想法后来被毕加索和布拉克进一步发展成了立体主义。正是这类刻意的细微选择，让一件作品从"精准"变成了"令人难忘"。
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大碗岛的星期天下午
凑近看，整幅画其实是由成千上万个纯色小点构成的——"点彩派"依靠观者自己的眼睛，在远处将这些色点"混合"成形体与光线。这提醒我们：观者与作品的距离，会改变他们所看到的一切。
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夜间的露天咖啡座
梵高在这幅夜景中几乎没有使用黑色，而是用深蓝与深绿来构建暗部——据信这也是他第一幅只签下地点、不写日期的作品，仿佛把"地点"本身当作了作品身份的一部分。作品在哪里、以怎样的方式被展示，从来都不是无关紧要的。
公有领域 · 来自 Wikimedia Commons立体主义
把多个视角压缩进同一个平面——绘画不再试图模拟一扇窗户。
毕加索肖像
格里斯用毕加索本人开创的那种多角度、破碎化的立体主义语言，画下了这幅献给这位挚友兼同道的肖像——一位艺术家用对方的视觉语言，向对方致敬。一个好的画廊页面也是如此：用艺术家自己的视觉语言说话，而不是套用一个通用模板。
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默东风景
格莱兹是立体主义最早的理论宣言合著者之一，这幅风景画正是这一理念的实践——一处真实的地方被拆解为多个几何平面，同时呈现出多个视角，而非单一固定的观察点。从不止一个角度展示一组作品，正是像这样按流派组织的画廊存在的意义。
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埃菲尔铁塔
德劳内一生中画过三十多次埃菲尔铁塔，用破碎的透视与大胆的色彩去捕捉这座现代地标带来的感受，而非它精确的几何形态。带着变化的重复，本身就是一种正当的创作策略——你自己的画廊页面同样可以展示这一点。
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格子桌布静物
格里斯是立体主义画家中以严谨著称的一位——朋友们称他那种精确、近乎建筑学式的手法为"用尺子画的立体主义"。即便是看似随意的画面安排，背后精心考量的结构，才是让它"看起来对"的原因。
公有领域 · 来自 Wikimedia Commons浮世绘
描绘市井生活与风景的日本浮世绘版画,后来反过来深刻影响了欧洲绘画本身。
神奈川冲浪里
这幅画出自葛饰北斋的《富岳三十六景》系列——富士山本身在画面中显得渺小，被巨浪所衬托，而这正是整个系列的用意所在：用多种、有时甚至出人意料的构图去呈现同一个主题。这也正是这样一个按流派分类的画廊背后的理念。
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凯风快晴(红富士)
同样出自《三十六景》系列，这幅版画捕捉了富士山罕见的一刻——晨光把山体染成红色——采用的是平涂色块的技法，这种手法后来直接影响了梵高等西方画家。好的作品会被看见、被传播；一个搭建得当的页面，能让你的作品传播得更远。
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大桥骤雨
画面中斜线状的雨丝，是刻版师傅用极细的独立线条精心雕刻而成——这不仅考验画家的构思，更考验刻工的技艺——据说这幅版画曾直接启发梵高临摹了一幅同题材的油画。这正是好的呈现方式能为任何艺术家的作品带来的影响力。
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当时三美人
喜多川歌麿是"大首绘"（大头肖像）的代表人物——这种构图放大聚焦于细腻的面部表情与神态，而非展示人物全身，在当时是十分新颖的取景方式。决定什么该被放大呈现、什么该被留白，本身就是一种编辑功力——这也是我们在呈现你自己的作品时所提供的帮助。
公有领域 · 来自 Wikimedia Commons中国山水画
中国传统水墨画——以文人的内敛笔法描绘山水江河，跨越宋、元、明三代。
谿山行旅图
留意画面底部小径上那几位渺小的旅人与驮着货物的骡子——他们在高耸的山峦前几乎难以察觉，却营造出一种震撼人心的尺度感，让山仿佛有了生命。据传范宽曾长年隐居山中，亲身观察光线与雾气在岩石上的真实变化。持续多年的直接观察，正是这类作品能够历久弥新的原因。
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早春图
郭熙曾撰写自己的山水画论，提出山峦如人体一般也有"正面"与"背面"——这幅画正是这一理念的实践，引导观者的视线仿佛沿着真实的山径一路游走。一个好的画廊，就像一幅好的山水画，应该给访客一条可以"走"的路，而不只是一处可以"看"的风景。
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富春山居图(局部)
这一局部出自一幅原长超过六米的长卷，原本的观赏方式是逐段展开、徐徐品读，而非一次看尽——这幅画是黄公望七十多岁时历时数年、每逢灵感所至便提笔续画而成。伟大的作品并不总是按期限完成；一个作品集，也应该能容纳节奏迥异的创作。
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庐山高图
沈周画这幅画并非对景写生，而是作为献给老师七十大寿的贺礼——高耸的山峰是老师德行崇高的视觉隐喻，"以画为礼"正是中国文人画的常见传统。一件作品所承载的故事，往往超出画面本身——把这份故事和画作一起讲出来，同样值得用心。
公有领域 · 来自 Wikimedia Commons中国花鸟画
花鸟画自成一派已逾千年——以博物学家般的精准观察与诗人般的含蓄笔法，描绘花卉、飞鸟与草木虫鱼。
五色鹦鹉图
这幅画出自一位皇帝之手——他统治着一个帝国，却仍愿意逐羽观察一只鸟的羽毛。宋徽宗创立了翰林图画院，并亲自定下标准：不把活物画准确，就不算画完。同样的标准——把真实的事物画对，而不只是画得过得去——正是一个让访客信任的画廊，与一个被随手划过的画廊之间的分别。
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双喜图
两只喜鹊惊叫，扑向一只被突如其来的疾风惊动、正回首张望的野兔，风把野草都吹弯了——崔白打破了此前近百年僵硬静态的院体传统，画下了一个天气与动态都独一无二、不会重演的瞬间。捕捉那个永不再来的瞬间，正是让一件作品显得鲜活而非仅仅装饰性的关键。
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牡丹图
恽寿平复兴了古老的"没骨"技法——完全用色彩晕染塑造花朵形态，不施勾勒轮廓线，使花瓣仿佛自带光泽。据传他转攻花卉，是因为自认山水画难以超越自己家族圈内的名家；有时候，最出色的作品恰恰来自找到一个别人尚未占先的领域。
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雪梅双鹤图
边景昭供职于明代宫廷，花鸟画在那里同时也是一种视觉语言：仙鹤象征长寿，寒梅象征历经严冬而不凋——整段寓意无需一字便已传达。一个设计得当的页面，同样能仅凭画面本身，在访客读到任何文字之前，就传递出这样的含义。
公有领域 · 来自 Wikimedia Commons中国人物画
宫廷场景、市井生活与历史传说——早在摄影术出现前的数个世纪，人物画就已用来讲述故事。
女史箴图
传为顾恺之所作，但如今学界普遍认为现存这卷是后世根据其已佚失原作临摹而成——即便如此，它仍是中国现存最古老的绢本绘画之一，逐段图解了一篇关于宫廷礼仪的儒家文本。一份用心临摹的作品，几乎能承载原作的全部分量；真正值得被保存下来的，是精湛的技艺，而不仅仅是"原创"这一身份。
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清明上河图(局部)
这幅长卷全长超过五米，画中有八百多个各具姿态的人物——商贩、船夫、算命先生——各自忙碌于宋代都城的寻常一天。它奖励的正是那种愿意驻足细看的访客，而这恰恰是一个用心搭建的页面最想留住的人。
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历代帝王图
阎立本笔下的这些帝王，他本人从未见过，甚至跨越了数个世纪之前的朝代——画中人物的大小并非依据真实身形，而是依据他本人对该帝王历史地位的判断：越是举足轻重的帝王，画像便越大。决定一个页面上哪些内容该占据最重的视觉分量，正是这种编辑判断力的体现。
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韩熙载夜宴图
这幅摹本保留了一幅原作的构图——据传原作是皇帝为暗中观察一位受怀疑大臣的私宴而命人绘制的，如今原作早已不存。这次委托创作本身就带有监视的意味：绘画在此是对某个真实特定夜晚的记录，而非一幅理想化的场景。有时候，一处地方或一件事最有价值的记录，恰恰就是最诚实的那一种。
公有领域 · 来自 Wikimedia Commons写意画
"写意"意为抒写心意而非摹形——以奔放洒脱的笔触追求神韵与气势，而非精准的形似。
葡萄图
徐渭泼墨挥毫，落笔极快，以至画中葡萄几乎不见清晰的轮廓——他在画上自题诗句，自比一颗无处可卖的明珠，语带自嘲，道出自己才华横溢却始终未能获得稳定赏识、颠沛坎坷的一生。并非每件好作品都需要光鲜的故事；有些最诚实的作品，恰恰来自未经粉饰的真实困顿。
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荷花水鸭图
八大山人本是明朝宗室，明亡后遁入空门以求自保，一度佯装疯癫以躲避出仕新朝——他晚年画中的鸟与鱼常常侧目斜视，眼神带着一种著名的、近乎讥诮的神情。这样极具个人烙印的作品，绝不可能出自旁人之手；正是这种独一无二的风格与声音，才值得为之量身打造一个页面。
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竹石图
郑板桥自称画竹逾六十年，才觉得自己有资格删繁就简——他晚年的墨竹作品剔除了每一片多余的叶子，只留下能传达竹之韧性的笔画。这种克制是历经时间磨砺出的功力，而非捷径；懂得取舍，往往比懂得堆砌更难。
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梅花图
金农直到五十多岁才认真投入绘画，此前数十年一直是诗人与篆刻家——他刻意让自己的笔法保持在训练有素的画家眼中略显"笨拙"的状态，因为他相信真性情比技巧的精熟更能打动人。开始展示自己的作品永远不算太晚，一种不加修饰的、真诚的风格，有时比循规蹈矩的娴熟技艺更打动人心。
公有领域 · 来自 Wikimedia Commons抽象主义
色彩、线条与形状彻底摆脱对具体事物的描绘——开启了此后一个世纪的抽象艺术。
构成第八号
康定斯基是纯抽象艺术的先驱之一，他相信色彩与形状能像音乐一样传达情感与意义——完全不需要描绘任何具体的物象。如果你的作品同样是抽象的，它也值得拥有一个同样信任观者的页面。
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红蓝黄构成第二号
蒙德里安花了多年时间，将自己的绘画不断简化为只剩水平与垂直的黑色线条，以及三原色——这是一种刻意的"减法"，为的是追求他所说的纯粹视觉和谐。有时候，最有力的设计决定，恰恰是你选择留白的部分。
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黑方块
1915年首次展出时，马列维奇把这幅黑色方块高高挂在展厅一角——那正是俄罗斯传统家庭悬挂圣像的位置——用纯粹的形式，刻意取代了宗教圣像。一件作品被放在哪里、以怎样的方式呈现，有时和作品本身同样重要。
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黄红蓝
这幅画创作于康定斯基回到德国、在包豪斯任教之后，反映出这所学校严谨、近乎几何化的转向——相比他早期更为自由奔放的抽象风格，是一次明显的转变。艺术家的风格会随着生涯不断演变，一个组织得当的画廊，能展示这整条脉络，而不只是某一个瞬间。
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跨越千年的立体艺术——从古希腊大理石雕像到罗丹的青铜铸像，雕塑让人体与神话形象拥有了实体。
大卫像
米开朗基罗曾说，他只是凿去了大卫像周围多余的部分，把本就藏在这块大理石里的人像"释放"了出来——而这块石料此前已被两位雕塑家认定有瑕疵、无法使用而放弃。有时候，别人都已放弃的原材料里，恰恰藏着独具慧眼者才能看到的可能性。
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断臂维纳斯
这尊雕像出自谁手，如今已无人能确定，就连她原本的双臂姿势也早已成谜——早在1820年这尊雕像在希腊米洛斯岛被重新发现之前，双臂便已缺失，学者们至今仍在争论其原本的姿态。一个未解的谜题，只要留存下来的部分足够动人，同样能像一件档案齐全的杰作一样引人入胜。
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萨莫色雷斯的胜利女神
她没有头，也没有双臂，却依然让每一位走到卢浮宫大楼梯顶端的访客驻足——那位不知姓名的雕塑家，把风本身也刻进了大理石：湿透的衣袍紧贴着这具仿佛正在飞行中的身躯。有时候，缺失了什么并不重要，重要的是留下的部分依然能说话。
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思想者
罗丹最初把这个人物雕得很小，只是一件更宏大的门饰作品中的一部分——后来将它放大、单独铸造成独立作品后，才成为世界上最广为人知的雕塑之一。一个强有力的元素，从更大的项目中被抽取出来、获得独立展示的空间后，有时反而能超越原本的整体。
公有领域 · 来自 Wikimedia CommonsAI生成艺术
文本生成图像技术问世不过短短几年——这里展示的是真实的、许可清晰的社区创作，而非艺术史上的经典名作。我们收录这一门类，是想坦诚地展示当下AI艺术的真实样貌：实验性强、尚未定型，创作者是普通爱好者而非载入史册的大师。
后画家派抽象爆发
这幅作品是通过向AI模型输入描述"抽象色彩与几何形状爆发"的提示词生成的——提示词本身引用了历史上的画家风格作为参照，就像一份设计需求说"要有点像X风格，但要是我们自己的版本"一样。这个输出结果真实地呈现了当下图像生成技术的运作方式：输入一段描述，得到一次"解读"，尽管这项技术本身仍在快速演变。
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数字图书馆中的乌鸦
一段描述"电子人乌鸦飞越无尽数字图书馆"的提示词，几秒钟内就生成了这幅氛围感十足、构图完整的画面——没有摄影，没有画布，只是一段文字描述被转化成了图像。这是为某个论文获取工具创作的同人图，作者并未受过正规美术训练，而这正是这项技术为创作者打开的一扇新门。
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Can do Urco
这幅画描绘的是"Can do Urco"——加利西亚与阿斯图里亚斯民间传说中一只从海中拖着锁链而来、预示死亡的巨型有角恶犬。这是一个西班牙北部以外几乎没人听说过的地方传说，如今借助AI模型可以瞬间被画出来，而不必等待一位恰好熟悉这类冷门民俗的插画师接单创作。小众的故事，现在也能拥有画面，而不必非找到那位恰好懂它的画家不可。
CC0 · 来自 Wikimedia Commons
DALL-E 3：先进人工智能
一个由AI凭空想象出的、光芒流转的神经网络界面——当被要求描绘"人工智能"本身时，这几乎是一种奇特的自画像：一个工具在描绘它自己对"自己是什么"的理解。即便是一张纯粹说明性、偏"技术演示"风格的图像，只要背后的概念足够有意思，也能与更具绘画感的作品并肩而立。
CC0 · 来自 Wikimedia Commons区块链与NFT艺术
由区块链所有权记录保障的数字艺术——这四个项目更进一步，把作品本身也置于公有领域(CC0)之下，即便每个代币本身仍归属特定所有者、可自由交易。
Noun #0
每一个Noun都是通过随机组合背景、身体、配饰、头部、眼镜等特征生成的，全部数据都存储在链上——只要以太坊还存在，这些作品就不需要依赖任何公司或服务器才能"活着"。这里展示的Noun #0是铸造给项目创始团队的第一个Noun，此后才从Noun #1开始进行每日公开拍卖。这个项目主动把自己的作品置于公有领域许可之下，选择让作品可以被自由再利用，而非严格控制。
CC0 · Nouns DAO
Blitmap 作品集
这幅拼贴图一次性展示了数百枚独立的Blitmap与Blitnaut作品——这些微小的8位像素图块最初都是独立创作，后来因为任何人都可以自由组合两枚已有图块生成新的"衍生"作品而不断繁衍增多。项目团队在作品上线后投票决定，把整个系列释出到公有领域，把原本可能是封闭、严格授权的发行，变成了任何人都能在其基础上自由创作的素材。
CC0 · Blitmap
mfer #1
mfers是一种简单的手绘火柴人角色——没有算法，没有生成式代码，只是一种容易辨认的风格，通过耳机、眼镜或特定姿势等细节做出小变化反复呈现。项目方自己的介绍一如既往地直白："这个项目属于公有领域，你可以随意使用mfers。"有时候，一种简单而统一的风格，反而比技术复杂的作品更容易被人记住。
CC0 · mfers
CrypToadz #1
每一只CrypToadz都是由体型、头饰、配件等特征组合而成的一只小小像素风两栖动物，永久存储在Arweave这种"一次付费、设计为永久保存"的网络上，而非可能随时下线的服务器。和mfers一样，项目方的表态很直白：这些作品属于公有领域，任何人都可以随意使用。
CC0 · CrypToadz